Crítica - Invencível

Baseado na história real do velocista Lou Zamperini este Invencível dirigido por Angelina Jolie é mais uma história de superação e de triunfo do espírito humano sobre todas as dificuldades. É uma história poderosa, mas lamentavelmente sabotada por uma condução que, apesar de bem intencionada, parece mais preocupada em arrancar lágrimas pelo sofrimento do protagonista do que efetivamente construir um retrato interessante do personagem.

O filme acompanha a história de Zamperini (Jack O'Connell) velocista que serviu durante a Segunda Guerra Mundial em um avião bombardeiro. Quando o avião é abatido, Zamperini e dois companheiros passam semanas à deriva no oceano em um bote salva-vidas. Como se isso não fosse o bastante, eles são resgatados por um navio japonês que os prende, fazendo-os passar o resto da guerra em um campo de prisioneiros.

O principal problema é o retrato raso que o filme faz de seu protagonista. Desde as primeiras cenas da sua infância o filme vai estabelecendo-o como mártir em potencial em uma profusão de diálogos que falam sobre a importância de sobreviver sob condições ruins e como Lou é capaz de suportar qualquer coisa. Daí para frente o filme se acomoda em fazer apenas isso, nos mostrar o calvário do personagem enquanto ele sofre todo tipo de violência e humilhação. É como se o filme apontasse sua câmera e nos dissesse "olhe lá, ele está sofrendo, se emocione", mas fica difícil se engajar quando tudo que temos diante de nós é pedaço de carne sem personalidade. Jolie consegue muito bem capturar seu sofrimento, mas nunca penetra em seu íntimo

Crítica - Whiplash: Em Busca da Perfeição

Mais do que um filme sobre virtuosismo artístico ou busca pelo sucesso, este Whiplash: Em Busca da Perfeição traz um debate sobre que tipo de formação nossa sociedade está oferecendo e qual é o verdadeiro preço da excelência.

A trama gira em torno de Andrew (Miles Teller), um jovem baterista que entra para um prestigioso conservatório em Nova Iorque em uma obstinada busca por ser um excelente músico. Para isso, se aproxima daquele que considera o melhor do local, o veterano maestro Terence Fletcher (J. K. Simmons), cujo método de ensino consiste de uma constante guerra psicológica. Suas ações são brutais e incansáveis, passando de qualquer limite do que é são ou aceitável, mas possivelmente também os leva para além de suas limitações.

O filme nos apresenta uma aterradora relação professor/aluno que poderia ser facilmente descrita como "Nascido Para Matar no conservatório". A técnica de Fletcher é implácavel colocando os músicos em constantes disputas entre si enquanto o professor exige mais e mais de suas performances, ofendendo-os, agredindo-os até que tenham literalmente derramado sangue, suor e lágrimas sobre suas baterias e, ainda assim, Fletcher quer mais.

Crítica - Uma Noite no Museu 3: O Segredo da Tumba

O primeiro Uma Noite no Museu (2006) era, na melhor das hipóteses, um passatempo descartável, mas não tinha nada realmente digno de nota. Apesar disso, conseguiu faturar uma continuação, que era apenas uma repetição expandida do primeiro filme. De um modo ainda mais incompreensível chegamos a este terceiro filme que é basicamente o total esgotamento da fórmula iniciada no primeiro.

No filme, Larry (Ben Stiller) percebe que há algo errado com a relíquia que dá vida aos objetos do museu. Para salvar todos, ele precisa levar o príncipe Ahkmenrah (Rami Malek) e sua relíquia para o Museu Britânico, onde estão expostas as múmias de seus pais, os únicos que conhecem seus mistérios. Em meio a tudo isso, Larry precisa se reaproximar do filho (de novo), já que ele não parece estar disposto a entrar para uma faculdade.

Tentar preencher os 97 minutos de filme com apenas este fiapo de trama é talvez o problema principal do filme, já que tudo segue um ritmo morno, sem energia ou criatividade, faltando o clima de aventura dos outros dois. Os personagens são todos os mesmos dos dois filmes anteriores e repetem as mesmas piadas, o que parece uma decisão pra lá de preguiçosa se levarmos em consideração a mudança de cenário.

Crítica - Êxodo: Deuses e Reis

A história bíblica de Moisés e a fuga dos escravos hebreus do Egito já foi tema de vários filmes como Os Dez Mandamentos (1956) ou a animação O Príncipe do Egito (1998), agora o diretor Ridley Scott resolve apresentar a sua versão com este Êxodo: Deuses e Reis.

O filme começa com Moisés (Christian Bale) já adulto e um dos generais do faraó Seti (John Turturro) ao lado do irmão de criação e herdeiro do trono Ramsés (Joel Edgerton). Quando vai investigar o início de uma insurgência de escravos hebreus encontra o ancião Nun (Ben Kingsley) e descobre a verdade de sua origem. A revelação o faz ser exilado por Ramsés e em seu exílio encontra com Deus, apresentado aqui pela figura de um garoto chamado Malak (Isaac Andrews). Respondendo ao chamado divino, Moisés retorna para libertar seu povo.

Christian Bale traz aqui sua habitual competência como Moisés, apresentando-o como um homem cheio de dúvidas e incertezas que constantemente questiona sua fé e até mesmo os desígnios divinos. Seu Moisés não é um fanático religioso, tampouco um herói estóico e passivo que espera ordens divinas, mas um homem falho, que caminha entre a fé e a razão, dividido entre suas obrigações com a família e as com seu povo. Embora seu percurso seja o de uma tradicional jornada de herói, ao construí-lo como um homem complexo e cheio de contradições se torna mais fácil se relacionar com o personagem.

Crítica - Operação Big Hero

Em geral, narrativas voltadas para o público infantil apresentam algum tipo de construção moral ou ensinamento para preparar as crianças para a vida e ensiná-las algo sobre os problemas e desafios que irão encontrar. Por trás de sua fachada de super-heróis e aventura, o que esta animação Operação Big Hero fundamentalmente traz é uma narrativa sobre luto e como é difícil lidar com a perda de alguém próximo a nós, uma experiência que cedo ou tarde todos experimentam.

Na trama, Hiro Hamada é um garoto prodígio que passa seu tempo desenvolvendo robôs para lutar em competições, mas seu irmão Tadashi acha que ele poderia fazer algo mais construtivo com sua inteligência e o estimula a entrar para a universidade. Quando seu irmão morre em um suspeito incêndio no laboratório da universidade, Hiro precisará descobrir o que houve e lidar com sua perda, para isso terá ajuda do robô Baymax. Criado por seu irmão como uma espécie de robô médico, o rechonchudo construto se devota a ajudar Hiro a superar seu trauma, mesmo que isso implique em enfrentar a figura sinistra que está por trás de tudo.

Crítica - O Hobbit: A Batalha dos Cinco Exércitos

Quando falei sobre os dois filmes anteriores desta nova trilogia, sempre mencionei o quanto eles eram inchados, cheios de subtramas desnecessárias e ritmo arrastado. Este O Hobbit: A Batalha dos Cinco Exércitos poderia fazer valer todos os excessos anteriores ao entregar um clímax que os justificasse, no entanto, apenas consolida a ideia de que a modesta e simples aventura escrita por J.R.R Tolkien não precisava ser estendida ao longo de três filmes.

O filme começa exatamente onde A Desolação de Smaug terminou, com o poderoso dragão dirigindo-se à Cidade do Lago. Após a batalha, os moradores da cidade, liderados por Bard (Luke Evans), decidem pedir a parte que lhes cabe do tesouro da montanha para reconstruírem a cidade. No entanto, Thorin (Richard Armitage) foi completamente consumido por sua cobiça e se recusa a negociar. Além dos humanos, o rei elfo Thranduil (Lee Pace) também se aproxima da montanha para recuperar um antigo tesouro. Para piorar, o exército de orcs liderados por Azog (Manu Bennet) se aproxima da montanha, pronto para cercar humanos, elfos e anões para eliminá-los de uma vez.

Crítica - Quero Matar Meu Chefe 2

O primeiro Quero Matar Meu Chefe (2011) era um filme cheio de problemas, mas conseguiu conquistar o público principalmente por causa do apelo cômico dos vilões que eram boas caricaturas dos piores tipos possíveis de chefes. Assim, é decepcionante constatar que este Quero Matar Meu Chefe 2 precise se apoiar tanto no original repetindo praticamente a mesma trama e as mesmas piadas, além de cometer os mesmos erros.

Na trama, Nick (Jason Bateman), Kurt (Jason Sudeikis) e Dale (Charlie Day) decidem abrir um negócio juntos e serem seus próprios chefes, mas seus problemas quando o inescrupuloso executivo de uma rede varejista (Christoph Waltz) os passa a perna e os deixa à beira da falência. Desesperados para não perderem tudo, decidem sequestrar Rex (Chris Pine), filho do executivo, para recuperarem seu dinheiro. O que eles não esperavam é que o próprio Rex estaria disposto a colaborar com o plano apenas para se vingar de seu pai.

Crítica - Elsa e Fred

As comédias românticas são um gênero constantemente produzido pelo cinema hollywoodiano, mas são poucas as que abordam relacionamentos entre pessoas idosas como faz este Elsa e Fred (remake do filme argentino Elsa y Fred de 2005, que não vi), apenas Alguém Tem Que Ceder (2003) me vem a cabeça quando penso em um filme com essas características. Assim sendo, é uma pena que algo com tanto potencial para tratar da redescoberta do amor na terceira idade descambe em um produto tão banal.

Na trama, Elsa (Shirley MacLaine) é uma senhora que mora sozinha e que se vê atraída por seu novo vizinho, o recém viúvo Fred (Christopher Plummer). Aos poucos ela tenta se aproximar dele e, bem, sabemos o que acontece daí para frente.

Esse é o principal problema do filme, tudo é excessivamente previsível e clichê, nos permitindo antever cada virada na trama e boa parte dos diálogos. É a típica história da mulher alegre e expansiva conquistando e amolecendo o coração de um homem turrão e rígido. Já vimos isso diversas vezes e Elsa e Fred não faz nenhum esforço para nos oferecer nada diferente.

Crítica - Interestelar

É difícil não olhar para este Interestelar de Christopher Nolan e não pensar em 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), de Stanley Kubrick, pela jornada grandiosa de exploração espacial que ambos trazem, muitos irão usar o clássico de Kubrick como medida de comparação com este filme, mas tentarei não cair nessas comparações. Cada um deles usa o tema das viagens espaciais sob olhares diferentes e com propósitos diferentes, mas, ainda assim, tocam em questões semelhantes como a capacidade humana de superar barreiras e o nosso ímpeto em rumar ao desconhecido em busca de algo melhor, seja conhecimento ou uma nova morada.

A trama se passa num futuro no qual a atmosfera da Terra vai aos poucos tornando o planeta inabitável para os humanos e prejudicando a produção de alimento. Para evitar a extinção, a única solução possível parece ser a colonização de outros planetas que possuam condições favoráveis à nossa existência. Para isso, o piloto Cooper (Matthew McConaughey) e uma equipe de cientistas liderada pela doutora Brand (Anne Hathaway) é designada para viajar através de um buraco de minhoca (ou wormhole) para poder chegar a uma galáxia que possua planetas habitáveis.

Crítica - Tim Maia

As cinebiografias de músicos tem sido um formato bastante explorado pelo cinema comercial brasileiro e é fácil entender os motivos. De um lado temos o apelo popular de suas canções que serve para chamar a atenção da audiência e de outro temos a curiosidade de público em saber mais sobre os bastidores da vida dessas celebridades. Baseado no best-seller escrito por Nelson Motta, este Tim Maia talvez seja o melhor dentre este recente ciclo de cinebiografias.

Ao longo do filme acompanhamos a trajetória do cantor e compositor Tim Maia (Robson Nunes e Babu Santana) de seus primeiros esforços para formar um conjunto musical ainda na juventude, passando por sua ascensão ao sucesso e os problemas de seus últimos anos. É uma narrativa bem tradicional e comum para esse tipo de filme, mostrando os anos de formação, a chegada do sucesso, os amores e a decadência, mas a trajetória de Maia é tão repleta de eventos pitorescos e sua personalidade é tão singular que até ignoramos o fato de que estamos diante de uma estrutura narrativa tão padronizada.