Crítica – Operação Cerveja

 

Depois de vencer o Oscar de melhor filme com o bem intencionado, mas problemático Green Book: O Guia (2019), Peter Farrelly volta a tentar fazer um filme mais sério, distante das comédias que dirigia com o irmão, como Debi e Loide (1994) ou Quem Vai Ficar com Mary (1998). Se no filme anterior o diretor tentava abordar temas relativos a racismo e segregação, neste Operação Cerveja o foco é a Guerra do Vietnã.

Baseada em fatos reais, a narrativa se passa em 1967 e é protagonizada por Chickie (Zac Efron), um jovem que passa seus dias bebendo e aproveitando a vida. Ao mesmo tempo, os amigos de Chickie estão sendo mandados para o Vietnã e voltando em caixões. Se sentindo culpado por ficar em casa e por ter passado seu serviço militar em uma base nos EUA, longe da ação, Chickie decide ir ao Vietnã para entregar cerveja aos amigos do bairro e levantar o moral das tropas.

Sim, é uma decisão idiota e o filme sabe disso. Chickie é tratado o tempo inteiro como alguém conscientemente estúpido que não tem a menor noção do apuro em que se meteu. Praticamente uma versão da vida real do personagem de Jim Carrey em Debi e Loide (1994), Chickie se embrenha por zonas de conflito distribuindo latas de cerveja e sobrevivendo basicamente por ser “burro demais para morrer” como diz um dos soldados do local. Zac Efron já tinha se mostrado eficiente em interpretar um idiota completo em produções como Vizinhos (2014) e Baywatch (2017) e aqui volta a funcionar muito bem nesse arquétipo, dando a Chickie um otimismo ingênuo que lhe confere alguma humanidade, evitando que descambe para a caricatura. Efron é ainda auxiliado por uma performance competente de Russell Crowe como um repórter calejado que tenta fazer Chickie enxergar a severidade da situação.

Crítica – Blonde

Biografias costumam seguir padrões narrativos bem previsíveis e como resultado muitas terminam iguais, são raros os casos de biografias de personalidades famosas conseguem fazer algo diferente, como Não Estou Lá (2007) fez com Bob Dylan. Em Blonde o diretor Andrew Dominik tenta sair do padrão típico das biografias, mas ao invés de usar essa fuga e o esforço de imersão na subjetividade de sua biografada para explorar suas múltiplas facetas, o resultado é raso e unidimensional.

A narrativa acompanha Norma Jean (Ana de Armas) desde sua infância problemática com uma mãe instável até sua transformação na diva do cinema Marilyn Monroe, explorando seus relacionamentos e seus momentos mais icônicos. Há um claro recorte de explorar como ela foi explorada pela indústria, como os holofotes e olhares constantes lhe causaram problemas e dentro dessa proposta o filme faz escolhas estéticas que rendem momentos interessantes, mas, ao mesmo tempo, parece operar em paradoxo com sua proposta.

Crítica – Cyberpunk: Mercenários

 

Apesar do bom histórico da Netflix com animações baseadas em games, não me interessei de imediato por este Cyberpunk: Mercenários, animação que se passa no mesmo universo do game Cyberpunk 2077 (e consequentemente do RPG de mesa em que se baseia). Ainda assim, decidi conferir sem muita expectativa e o resultado é uma das melhores séries baseadas em games desde Castlevania.

A trama se passa um ano antes dos eventos do game e é protagonizada por David, um garoto de origem humilde que tenta sobreviver a Night City ao lado da mãe. Quando a mãe de David morre em um acidente, o jovem descobre que ela tinha implantes de combate altamente avançados no corpo. David instala os implantes em si mesmo e logo é encontrado pelo grupo de mercenários com os quais sua mãe trabalhava, inevitavelmente aceitando prestar serviços para eles já que não tem mais nada a perder.

Drops – Já Fui Famoso

 

Algumas vezes um filme nos envolve não pela inventividade da narrativa, não pelo apuro estético, mas pela emoção genuína que consegue apresentar. É isso que acontece neste Já Fui Famoso, produção original da Netflix. A trama é protagonizada por Vince (Ed Skrein), um músico que foi famoso há vinte anos atrás e agora tenta reconstruir a carreira. Um dia, tocando na rua, ele improvisa uma jam session com Stevie (Leo Long), um garoto autista, e o vídeo dos dois tocando viraliza na internet, apresentando o caminho de uma segunda chance para Vince.

É a típica história do artista decadente, marcado por um trauma, tirado de sua reclusão por um jovem ingênuo. Logicamente um tem muito a ensinar ao outro e desafios envolvendo liberdade artística ou fazer o que o mercado deseja. É relativamente previsível, conduzido sem grandes surpresas, no entanto, o que nos envolve é a dinâmica entre Vince e Stevie.

Drops – O Escândalo da Wirecard

 

Produzido pela Netflix, O Escândalo da Wirecard é mais um daqueles documentários de crimes que trata de um grande esquema de fraude dentro do ramo da tecnologia e dos pagamentos digitais. Dessa vez é sobre a empresa alemã Wirecard, que criou um sistema de pagamentos virtuais e cartões pré-pagos que garantiria o sigilo dos usuários, mas logo se tornou um instrumento de lavagem de dinheiro e isso passou a ser seu negócio principal.

A trama é contada a partir da investigação feita por repórteres do Financial Times sobre os negócios escusos da empresa e como as contas declaradas aos acionistas não batiam com a realidade. Nesse sentido, o documentário é consistente em mostrar o processo de apuração jornalística e a quantidade de evidências colhidas para provar a fraude. Pode parecer besteira ter que comentar isso, mas considerando a enxurrada de documentários sobre crimes que se entregam a um sensacionalismo especulativo com pouca base factual (como JohnMcAfee e Não Confie em Ninguém) é importante ver produções que sustentem sua narrativa em fatos e não apenas em especulações feitas para chocar o espectador.

Crítica – A Queda

 

Filmes de suspense confinados a um único espaço vão envolver ou não pela sua capacidade de criar situações de tensão dentro desse espaço para manter o interesse. Em geral A Queda consegue envolver em sua condução da tensão mesmo quando as personagens deixam a desejar.

A narrativa é protagonizada por Becky (Grace Caroline Currey, a Mary do filme Shazam), uma montanhista que fica traumatizada depois da morte do noivo, Dan (Mason Gooding), em um acidente de escalada. Tentando tirar Becky da depressão sua melhor amiga, Hunter (Virginia Gardner), propõe uma viagem para elas espalharem as cinzas de Dan. Não seria, no entanto, uma viagem qualquer, elas subiriam em uma antiga torre de transmissão, a maior do país, e espalhariam as cinzas do alto. O problema é que a torre é muito antiga e durante a subida as escadas enferrujadas colapsam, deixando a dupla presa no topo. Agora elas precisam encontrar um jeito de sobreviverem e saírem da situação.

Claro, num primeiro momento é meio estúpido que elas tenham partido para uma empreitada super perigosa sem avisar ninguém do que fariam, mas não é implausível considerando que isso de fato acontece no mundo real, vide o filme 127 Horas. A partir do momento em que a dupla fica presa, o filme é eficiente em encadear situações de tensão envolvendo a tentativa de recuperar uma mochila de mantimentos, usar um drone para mandar uma mensagem de socorro ou tentar rechaçar ataques de urubus. A narrativa ainda consegue entregar alguns momentos de surpresa que nos fazem reinterpretar alguns momentos aparentemente implausíveis.

Rapsódias Revisitadas – Medo e Delírio em Las Vegas

 

Em 1971 o jornalista Hunter S. Thompson iniciou o movimento chamado “jornalismo gonzo” ao transformar o que deveria ser uma simples reportagem esportiva sobre uma corrida no meio do deserto de Nevada em um livro que misturava fato e ficção, ponderando sobre o declínio do “sonho americano” e sobre o quanto ele viajou em drogas durante a viagem. O livro de Thompson foi adaptado para os cinemas em 1998 por Terry Gilliam em Medo e Delírio em Las Vegas. O filme não teve uma boa recepção crítica na época do lançamento e foi um fracasso comercial, mas com o tempo ganhou um status cult com audiências celebrando o passeio lisérgico que a obra faz pelo coração dos Estados Unidos e o clima político-social da década de 70.

A trama é protagonizada por Raoul Duke (Johnny Depp), um repórter que viaja para o deserto de Nevada para cobrir uma corrida. Ele está na companhia do advogado, Dr. Gonzo (Benicio del Toro), e uma mala cheia de drogas. No percurso de cobrir a corrida eles se perdem no efeito das drogas e o caos se instaura conforme eles embarcam em bad trips que os fazem pensar no ideal de “sonho americano”.

Crítica – Era Uma Vez um Gênio

 

Depois do apocalipse de Mad Max: Estrada da Fúria (2015), o diretor George Miller resolve explorar o poder da fábula em Era Uma Vez um Gênio, adaptando um romance escrito por A.S Byatt. É uma trama que explora o quanto a fabulação e arte são importantes em nossa vida, ainda que muitas vezes subestimemos esses elementos.

A trama é protagonizada por Alithea (Tilda Swinton) que em uma viagem para a Turquia liberta um Djinn (Idris Elba) preso na garrafa. Agora a criatura se oferece para conceder três desejos a Alithea em troca da liberdade dele, mas Alithea não sabe o que pedir. O Djinn então começa a narrar suas desventuras ao longo dos últimos três mil anos.

O filme chama atenção pela construção visual das fábulas contadas pelo Djinn, cheias de elementos singulares e que nos conquistam pela capacidade de imaginação dos realizadores em conceber tudo aquilo. A tramas em si envolvem pelo modo como elas se costuram uma na outra, como pequenas ações causam repercussões que serão sentidas séculos depois e irremediavelmente mudam a trajetória do Djinn e das pessoas com as quais ele se envolve. O próprio visual do Djinn, com extremidades douradas, palmas vermelhas e uma constante fumaça ao seu redor convencem de que estamos diante de uma criatura que, como ele mesmo diz, é feita de fogo e poeira.

Crítica – Fim da Estrada

 

Alguns filmes conseguem transitar bem entre vários gêneros, caminhando com fluidez por diferentes tons e temas. Fim da Estrada, porém, não é um desses filmes. Existem muitas ideias em jogo que poderiam render algo interessante, mas o resultado final não coloca esses elementos em um conjunto coeso.

Na trama, Brenda (Queen Latifah) está se mudando com a família de Los Angeles para o Texas depois da morte do marido tornar impossível custear a vida na cidade. Ela viaja acompanhada do irmão, Reggie (Chris “Ludacris” Bridges), e dos filhos Kelly (Mychala Faith Lee) e Cam (Shaun Dixon). No caminho eles passam pelo interior do Arizona, lidando com o racismo dos locais, mas as coisas se complicam quando testemunham um crime e acabam pegando uma mala de dinheiro que não lhes pertence.

O início, com Brenda repreendendo Reggie por fumar muita maconha e ele pensando em como vai ficar a viagem inteira sem erva parecem dar um tom de comédia a todo o processo. Assim que eles pegam a estrada, no entanto, a seriedade aparece mais forte conforme eles são alvo de condutas racistas. Mais adiante, conversas entre Brenda e Reggie falam sobre o trauma do falecimento do marido de Brenda, das dívidas que a família assumiu durante a doença do falecido e dos conflitos entre Brenda e Reggie, construindo um drama familiar. Posteriormente, a família toma posse da mala de dinheiro e tudo vira um thriller de ação.

Crítica – Boa Noite, Mamãe!

 

Lançado em 2014, o terror austríaco Boa Noite, Mamãe era um eficiente terror que envolvia pela construção de uma atmosfera de tensão e ambiguidade ao redor de seus personagens. Seis anos depois recebemos esse remake hollywoodiano que, como muitos remakes de filmes relativamente recentes, soa meramente como um meio de atingir o público estadunidense que não gosta de assistir filme com legenda.

A trama é protagonizada pelos gêmeos Elias e Lukas (Cameron e Nicholas Crovetti) que são deixados na casa da mãe (Naomi Watts) para passar um tempo com ela. Chegando lá os garotos encontram a mãe com o rosto coberto por uma máscara cirúrgica, pois ela supostamente teria feito uma plástica no rosto. Os problemas começam quando os garotos estranham o comportamento da mãe e começam a achar que aquela mulher pode não ser a mãe deles.

Se o original conseguia desenvolver muito bem uma atmosfera de tensão e estranhamento por conta das ações erráticas da mãe e o fato de não vermos seu rosto, aqui essa tensão está praticamente ausente. Falta ambiguidade e bizarrice nas ações da personagem de Naomi Watts, que demonstra mais uma insegurança e fragilidade que torna mais fácil antever a revelação final. A máscara cirúrgica usada pela personagem revela demais o rosto da atriz e soa normal demais para parecer assustadora como no original, em que parecia menos um instrumento hospitalar e mais algo feito de maneira amadora, com bandagens soltas unidas por presilhas e o pouco que víamos do rosto da mãe estava cheio de hematomas e marcas de cicatriz.