Crítica – Guerra Mundial Z

Durante muito tempo os filmes de zumbis foram relegados à produções de baixo orçamento (o que nunca impediu que obras sensacionais fossem feitas) e suas criaturas eram costumeiramente considerados como inferiores a outros monstros do cinema como vampiros, lobisomens ou fantasmas. De uns tempos para cá, entretanto, começamos a viver um literal surto de zumbis, com produções de grande orçamento e visibilidade em quadrinhos, televisão e, claro, cinema. Assim chegamos a Guerra Mundial Z (baseado no livro homônimo de Max Brooks), um blockbuster de quase duzentos milhões de dólares que definitivamente coloca os monstros devoradores de cérebro no mainstream cinematográfico.

A trama é centrada em Gerry (Brad Pitt), um ex-agente das forças de segurança da ONU que precisa voltar à ativa depois que uma praga zumbi se alastra pelo mundo. O filme não economiza nas cenas de destruição e já começa com um ataque massivo de zumbis ao centro de Nova Iorque. A direção de Marc Forster (007: Quantum of Solace)chama a atenção pela escala grandiosa que o filme dá ao apocalipse zumbi, abusando de tomadas abertas que mostram as multidões de criaturas avançando contra a população.

Não há muito sangue, é verdade, mas essa deficiência é compensada por um clima de tensão bastante eficiente e alguns sustos que certamente farão o público pular da cadeira. Boa parte das cenas de ação também são bastante criativas no uso dos zumbis, que se empilham e se jogam sobre obstáculos formando verdadeiras ondas de mortos-vivos, essa inventividade contribui para dar frescor à narrativa.

Crítica – O Lugar Onde Tudo Termina

Assim que saí da sala de cinema após assistir este O Lugar Onde Tudo Termina, novo filme do diretor e roteirista Derek Cianfrance (de Namorados para Sempre), soube que seria difícil escrever sobre ele. Não que seja um filme complicado e inacessível, mas pelo fato da narrativa estar em um constante movimento que sempre desafia nossas expectativas. Assim, tive a clara noção que, ao comentar sobre os méritos e qualidades da obra, deveria ter cuidado para não entregar as principais viradas do filme e assim estragar a experiência daqueles que ainda irão assisti-lo.

Quando menciono as reviravoltas, não me refiro aos fatos inesperados por si só, mas todo o impacto emocional e o sentimento de fatalismo e implacabilidade da vida que nos toma quando eles ocorrem. Entregar o desenvolvimento da trama não estragaria somente a surpresa, mas boa parte da experiência sensorial, emocional e de produção de sentido que filme visa provocar em seu público.

Mas deixemos de lado o que não é possível ser dito e partamos para o que é. O filme começa com Luke (Ryan Gosling) um motociclista que viaja com um circo realizando o truque do globo da morte. Quando ele se reaproxima de Romina (Eva Mendes), uma mulher com quem se relacionou na última vez em que estivera na cidade, Luke descobre que teve um filho com ela e assim decide abandonar a vida circense e se estabelecer. Entretanto, as coisas não são fáceis para o motociclista e o único modo que encontra para ajudar no sustento do filho é recorrer ao crime e isso o coloca em confronto com o policial Avery (Bradley Cooper), num encontro que mudará para sempre a vida dos dois.

Crítica – Universidade Monstros

Depois de doze anos depois do sucesso de Monstros S.A (2001), a Pixar finalmente revisita o criativo universo dos monstros que precisam assustar criancinhas para gerar energia para seu mundo. Entretanto, não é uma sequência propriamente dita e sim um prelúdio, pois se passa antes dos acontecimentos do filme original. Tudo bem, não é exatamente algo pelo qual os fãs da Pixar clamavam, eu mesmo preferia ver uma continuação do ótimo Os Incríveis (2004) a este filme, e embora seja descartável e desnecessário, não deixa de ser uma aventura carismática e bem bacana.

Ao invés da adorável Boo, a história aqui é centrada em Mike Wazowski (Billy Crystal) e sua vida universitária, quando entrou na Universidade Monstros (uma espécie de Harvard desse mundo) para se tornar um grande assustador. Com seu tamanho franzino e aparência pouco intimidadora, acaba não sendo levado a sério por seus colegas ou mesmo pela reitora (Helen Mirren). Seu futuro amigo Sulley (John Goodman) é um dos estudantes a implicar com ele e durante uma briga, os dois são expulsos do curso. A única forma dos dois serem aceitos de volta é ganhando o torneio universitário de sustos, mas, para isso, precisam pertencer a alguma fraternidade do campus. Logicamente a única que os aceita é a dos nerds e desajustados. Assim, Mike e Sulley precisam deixar as diferenças de lado e trabalharem em equipe com os novos colegas se quiserem vencer a competição.

Crítica – Antes da Meia-Noite

Nove anos se passaram depois de Antes do Pôr do Sol (2004) e mais uma vez o diretor Richard Linklater nos coloca para acompanhar um dia na vida de Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Delpy) da mesma forma como fizera no filme anterior e em Antes do Amanhecer (1995). Dito isto, preciso esclarecer que é quase imprescindível ter visto os dois filmes anteriores (ou pelo menos saber o que acontece neles) para apreciar por completo o que acontece aqui.

Assim como nos outros dois filmes, o foco é todo em Jesse e Celine a na maneira como eles se relacionam. A história mostra o casal finalmente vivendo junto depois dos eventos do filme anterior e pais de duas meninas. Eles estão de férias na Grécia, hospedados na casa de um escritor amigo de Jesse, e este é o último dia da viagem. O casal recebe de presente de seus anfitriões uma noite em um hotel de luxo, para que, enfim, possam aproveitar alguns momentos sozinhos.

O filme é extremamente competente em retratar como os personagens mudaram ao longo do tempo, não apenas fisicamente, mas, principalmente como mudou a relação entre eles. De um amor distante e idealizado nos dois primeiros filmes, os nove anos passados tornaram a convivência entre os dois algo extremamente pragmático e se antes falavam de seus desejos e preocupações, agora falam de como educar os filhos ou sobre a viabilidade de uma nova proposta de emprego. Aqui estamos diante de um amor concretizado e vivido, mostrando o que acontece com ele conforme o tempo passa.

Crítica – Uma História de Amor e Fúria

A animação brasileira Uma História de Amor e Fúria é uma obra ousada. Não apenas por ser um longa-metragem animado num país sem tradição gênero, mas por ser um longa animado, gênero que muitas pessoas associam ao público infantil, voltado para adultos, tratando de temas sérios como tortura e estupro e exibindo uma relativa quantidade de sangue e nudez. Ainda assim acredito que desavisados ainda irão protestar a respeito do conteúdo do filme, gerando uma polêmica semelhante à do filme Ted (2012) e um deputado.

A animação conta a história de um homem (Selton Mello) com mais de 600 anos em busca de sua amada, Janaina (Camila Pitanga), com quem se encontra e se separa ao longo da história do Brasil, onde diversos conflitos levam o casal a ficar separado, algumas vezes de forma violenta. A história vai desde as disputas entre tupinambás e tupiniquins no século XVII, passando pela revolta da balaiada no século XIX, a ditadura militar na década de 60 e, por fim num Brasil futurista e distópico no ano de 2096, onde se enfrenta uma guerra pela água que restou no planeta.

Apesar do pano de fundo histórico, o foco é o romance entre o personagem de Selton Mello e Janaina, que ele passa séculos tentando reencontrar apenas para perdê-la novamente. É interessante perceber como o protagonista se torna mais receoso de se aproximar de sua amada conforme o tempo passa, temendo que mais uma vez experimentem uma efêmera felicidade antes de serem separados por circunstâncias fora de seu controle. Ao mesmo tempo, o personagem vai adquirindo um relativo cinismo e desencanto em relação aos conflitos e revoltas populares que presencia, já que o resultado é quase sempre o mesmo: aqueles que têm pouco tem sua voz sufocada enquanto que aqueles que tem poder e posse nas mãos detêm a hegemonia. Assim, quando o vemos no último segmento, ele praticamente desistiu de fazer qualquer manifestação. Por outro lado, o trabalho de Camila Pitanga ajuda a transformar as múltiplas encarnações de Janaina em figuras não apenas adoráveis e apaixonantes, mas dotadas de incrível força e determinação, não sendo difícil entender porque o protagonista mantém um sentimento forte em relação a ela.

Crítica – Depois da Terra

É interessante ver o que aconteceu com a carreira de M. Night Shyamalan, que passou de uma grande promessa para um cineasta cujas obras se tornaram gradativamente mais questionáveis e equivocadas, chegando, enfim, a este Depois da Terra onde seu nome não é considerado valioso o bastante para sequer ser citado no trailer. Vendo o filme é possível entender o motivo, afinal se até mesmo no insosso O Último Mestre do Ar (2010) ainda víamos um pouco do seu estilo de dirigir, aqui não há um resquício sequer de sua presença atrás das câmeras, sedimentando sua passagem de diretor autoral para um mero lacaio de estúdio, já que não existe nada aqui que não pudesse ter sido feito por qualquer um desses diretores de aluguel sem personalidade como Louis Laterrier, Jonathan Liebsman ou Brett Ratner.

Dito isto é necessário esclarecer que este filme passa longe de ser o ponto mais baixo na carreira de Shyamalan, A Dama na Água (2006) eFim dos Tempos (2008) ainda seguem insuperáveis neste quesito, mas trata-se de tão incrivelmente derivativo e genérico que certamente não irá fazer favor algum à carreira do diretor.

Escrito por Shyamalan e Gary Whitta a partir de um argumento desenvolvido pelo próprio Will Smith, o filme se passa mil anos no futuro quando a humanidade deixou a Terra depois de exaurir todos os recursos e partiu para um novo planeta onde trava uma guerra contra uma raça alienígena. A história é centrada em Kitai (Jaden Smith) um jovem que deseja se tornar um ranger (a elite militar do novo planeta) assim como seu pai, o herói de guerra Cypher (Will Smith), com quem nunca teve muito contato. Tentando se reaproximar do filho, Cypher o leva a uma missão de treinamento em um planeta distante, mas a nave é danificada e cai em um planeta incrivelmente hostil, a Terra. Kitai e Cypher são os únicos sobreviventes (sabe-se lá porque), mas Cypher é ferido gravemente e Kitai precisa sozinho caminhar até a outra parte dos destroços para encontrar o sinalizador da nave e chamar ajuda.

Crítica – O Grande Gatsby

A primeira coisa que pensei ao ouvir que o diretor Baz Luhrmann iria dirigir uma versão do clássico romance O Grande Gatsby de F. Scott Fitzgerald, fosse que o ele repetisse a excessiva pompa e melodrama do moroso e vazio Austrália (2008) e a esperança que o diretor encontrasse aqui a chance de voltar à boa forma de Romeu e Julieta(1996) e Moulin Rouge (2001). Pois bem, o filme não é uma coisa ou outra, mas fica no meio do caminho entre as dois extremos.

O filme se passa na Nova Iorque da década de 20 conta a história de Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), um milionário misterioso que ficou famoso por dar imensas e suntuosas festas em sua mansão. Tais extravagâncias chamam a atenção de seu vizinho, o humilde corretor da bolsa Nick (Tobey Maguire). Ao se aproximar dele, descobre que o ricaço fora apaixonado por sua prima Daisy (Carey Mulligan) e que suas festas eram uma tentativa de se reaproximar dela. Simpatizando com pureza da esperança de Gatsby em rever a amada, Nick o ajuda a se aproximar dela, mesmo sabendo do comportamento agressivo de seu marido, Tom (Joel Edgerton).

A estética e a estrutura do filme lembram um pouco Moulin Rouge, desde o começo com o logo do estúdio aparecendo em preto e branco e da moldura antiga que se abre para começar a narrativa, passando pelo uso de um narrador depressivo e amargurado que relata a história através de uma máquina de escrever, aqui na figura de Nick e representado por Christian (Ewan McGregor) no filme de 2001. O uso da narração é bastante problemático, soando redundante em alguns momentos, falando exatamente aquilo que vemos em cena, e repetitivo em outros, as informações sobre o passado de Gatsby, por exemplo são repetidas pelo menos duas vezes pelo narrador.

Crítica – Se Beber, Não Case! Parte III

O primeiro Se Beber, Não Case! (2009) fez um enorme sucesso graças a seu humor ácido e escrachado, além de situações absurdas com uma enorme criatividade para o nonsense. O segundo filme, por sua vez acabou não sendo nada mais do que um arremedo do original, eliminando a criatividade em virtude de uma repetição da fórmula do anterior. Assim chegamos a este Se Beber, Não Case! Parte III, que apresenta o fim da “trilogia” e, ao contrário do que sugere o péssimo título nacional, não é centrada em nenhum casamento.

A trama é centrada em Alan (Zach Galifianakis), cujo comportamento imaturo e irresponsável começa a afetar sua família e leva seu pai (Jeffrey Tambor) a um infarto depois de uma hilária cena envolvendo a morte de uma girafa. Como se recusa a tomar sua medicação ou se submeter a qualquer tratamento, sua mãe pede a intervenção da “matilha de lobos” e assim Stu (Ed Helms), Phil (Bradley Cooper) e Doug (Justin Bartha) são chamados a convencê-lo de ir para uma clínica no estado do Arizona. Os problemas surgem quando o grupo é interceptado durante o trajeto pelo traficante Marshall (John Goodman) que pede ao grupo para encontrar o Sr. Chow (Ken Jeong) e recuperar o ouro que ele lhe roubou. Assim, o grupo começa mais uma jornada que, dessa vez, vai do México a Las Vegas.

Primeiramente é bom ver que o filme não se mantem preso ao formato dos anteriores, dessa vez não tem casamento ou amnésia, por outro lado o Doug é novamente deixado de fora da ação ao ficar cativo de Marshall como “garantia” de que trarão Chow de volta. Uma pena, pois o personagem de Justin Bartha podia trazer uma nova dinâmica ao grupo, que continua funcionando da mesma forma de antes. Alan age de forma imatura e sem sentido enquanto Stu fica histérico e Phil tenta resolver tudo.

Crítica – Fuga do Planeta Terra

Toda a ideia de Fuga do Planeta Terra parecia mais uma dessas animações genéricas e derivativas feitas por executivos de estúdio para lucrar mais alguns tostões em cima do público infantil. Não há nada realmente novo no filme, desde a premissa de ETs bonzinhos que caem na Terra e são perseguidos pelos militares, passando pelos próprios personagens que lembram um pouco as criaturas vistas em Monstros vs Alienígenas (2009). Porém, o filme compensa suas previsibilidades com bons diálogos a algumas situações bem criativas.

A história é centrada em Scorch Supernova (Brendan Fraser) um alien tratado como um herói em seu planeta que realiza grandes feitos com a ajuda de seu irmão nerd Gary (Robb Coddry), a quem nunca dá crédito para seu sucesso. Quando surge a oportunidade de uma missão no temível “Planeta Negro” do qual nenhuma forma de vida jamais retornou, Scorch aceita a ideia sem problemas, mas seu irmão objeta, afirmando que é perigoso demais. Claro, como o sujeito orgulhoso que é Scorch desconsidera o irmão, afirmando que este é apenas um apertador de botões, e parte para o temível planeta que, obviamente, trata-se do nosso planetinha azul. Chegando aqui é feito refém pelo megalomaníaco general Shanker (William Shatner, o eterno capitão Kirk) e cabe a seu irmão vir até a Terra para resgatá-lo.

A partir daí torna-se evidente que teremos todas aquelas lições de vida sobre união familiar e trabalho em equipe que se apresenta em boa parte das animações destinadas ao público infantil. Não é exatamente uma novidade e tudo ocorre exatamente como esperamos, mas é tudo tão bem costurado e pontuado por um humor muito bem eficiente que acaba nos distraindo dessa previsibilidade.

Crítica – Além da Escuridão: Star Trek

Com Star Trek (2009) o diretor J.J Abrams conseguiu trazer de volta aos cinemas a famosa franquia de ficção científica que estava distante das telas desde o fracasso de Nêmesis (2002), trazendo um novo fôlego e um novo olhar a estes personagens tão queridos e interessantes sem se esquecer de suas origens. Pois bem, este Além da Escuridão: Star Trek (a colocação bizarra do subtítulo na frente do título é culpa da distribuidora brasileira e não minha) é um capítulo igualmente sólido da franquia que traz novas dinâmicas aos seus personagens sem se esquecer de suas origens e o que fez a série original ser tão memorável.

O filme já começa movimentado com os integrantes da Enterprise tendo que salvar um planeta primitivo da ação de um vulcão que pode destruir toda vida que há nele. No curso da ação Kirk (Chris Pine) ignora os regulamentos de não-interferência da Federação e empreende um plano arriscado para conter o desastre. O capitão é então chamado de volta para Terra para prestar contas sobre suas ações ao almirante Pike (Bruce Greenwood) quando um ataque terrorista perpetrado pelo ex-oficial John Harrison (Benedict Cumberbatch) coloca a Frota em alerta. Cabe então a Kirk, Spock (Zachary Quinto) e o resto da Enterprise deterem o vilão.

Assim como no longa anterior são as relações entre os personagens que movem o filme e são elas que nos deixam engajados na trama e boa parte do mérito reside no talentoso elenco. As composições de Quinto e Pine dão várias camadas de nuances a Kirk e Spock e os dois atores exibem uma sinergia que torna a relação entre eles bastante orgânica e verossímil.