Estrelado por Awkwafina e Sandra Oh, Quiz Lady é um road movie
bem típico que envolve pelas duas protagonistas. A trama é centrada em Anne
(Awkwafina) uma contadora solitária cujo ponto alto de suas noites é assistir o
mesmo programa de perguntas e respostas que ela acompanha desde a infância.
Tendo começado a assistir durante o divórcio dos pais, o programa virou para
ela uma espécie de porto seguro e um momento no qual ela se sente em controle
da própria vida.
As coisas se complicam quando seu cachorro é sequestrado por
agiotas para quem sua mãe viciada em jogo deve dinheiro. Como a mãe de Anne
fugiu do país e voltou para a China, o agiota resolve cobrar de Anne e
sequestra seu cachorro para obrigá-la a pagar. A irresponsável irmã mais velha
de Anne, Jenny (Sandra Oh), a encoraja a participar do programa que assiste
diariamente para levantar o dinheiro. Assim as duas iniciam uma viagem pelo
país para tentar entrar no programa.
Segundo longa metragem da diretora Emma Seligman (do ótimo Shiva Baby), é uma pena que este Clube da Luta Para Meninas tenha chegado
ao Brasil com um título tão genérico ao invés da tradução não oficial Passivonas com o qual ele circulava pela
internet, já que é mais fiel ao título original Bottoms e também ao espírito de sátira do filme. É uma produção que
mergulha no absurdo, mas que comenta de maneira consistente sobre o senso de
invisibilidade e inadequação da juventude.
A trama é protagonizada por PJ (Rachel Sennott) e Josie (Ayo
Edebiri), duas garotas pouco populares, solitárias e lésbicas que, na tradição
das comédias adolescentes estadunidenses, decidem que o próximo ano escolar
será finalmente aquele em que perderão suas respectivas virgindades. Para fazer
isso inventam uma mentira de que passaram as férias em um reformatório e que
tiveram que lutar contra toda sorte de agressor e abusador. A partir daí elas
decidem iniciar um “clube da luta” supostamente para ensinar as garotas da
escola a se defenderem, mas na verdade querem usar isso como um pretexto para
se aproximarem das meninas de quem gostam.
Depois de um hiato de quase dois anos após sua primeira
temporada, a animação Invencívelchega
ao seu segundo ano com uma divisão em duas partes, com os primeiros quatro
episódios sendo lançados agora em novembro de 2023 e a segunda parte chegando
em algum momento no início de 2024. A decisão foi tomada supostamente para que
o público não se dispersasse por conta das festas de fim ano, um raciocínio que
não faz sentido considerando que se trata de uma produção de streaming e não de
TV convencional, que é exibida em um horário específico e requer que as pessoas
sintonizem naquele momento. Digo isso porque a trama claramente não foi
construída pensando em uma divisão.
A narrativa se passa cerca de seis meses depois dos eventos
do ano de estreia, Mark e mãe, Debbie, ainda lidam com os sentimentos
resultantes do ataque do Omni-Man e a revelação que ele veio à Terra para
conquistá-la. Enquanto isso, o Robô se acostuma ao seu novo corpo e treina os Guardiões do Globo para estarem à altura de enfrentarem Omni-Man em um eventual
retorno. Eve Atômica, por sua vez, pensa em como usar seus poderes para ajudar
as pessoas agora que não é mais uma super-heroína enfrentando vilões.
Meu primeiro contato com a obra de Bryan Lee O’Malley foi a
adaptação para os cinemas de Scott
Pilgrim Contra o Mundo (2010), de Edgar Wright. Um tempo depois fui ler o
quadrinho homônimo que inspirou o filme e gostei ainda mais, já que ele
aprofundava mais os vários personagens e dava mais evidência ao fato de Scott
estar longe de ser um “cara legal” e que Ramona tinha seu grau de
responsabilidade no modo como tratava aqueles com quem se relacionava. Agora,
cerca de vinte anos depois do lançamento do quadrinho, ele é adaptado como
série animada pela Netflix neste Scott
Pilgrim: A Série.
Inicialmente pensei que fosse ser uma adaptação mais fiel da
HQ e me empolguei pelo fato do elenco de dubladores ser o mesmo do filme do
Edgar Wright, já que todos funcionavam muito bem. A série, no entanto, é mais
uma releitura do material original, do que uma transposição direta, o que acaba
se revelando uma boa escolha. Primeiro que evita a estrutura de uma ordem
linear no enfrentamento com os ex-namorados de Ramona, algo que fez o quadrinho
e o filme soarem repetitivos em certos pontos, segundo que com o distanciamento
de vinte anos de sua própria obra, O’Malley, que escreveu os roteiros dos oito
episódios, pode examinar melhor alguns aspectos que não tão bem trabalhados no
original e expande muito de suas ideias.
Adaptando o romance Are
You There God? It’s Me Margaret, de Judy Blume, o filme Crescendo Juntas é uma típica história
de amadurecimento e descobertas que envolvem a chegada da adolescência. Apesar
de ser um tipo de história similar a várias outras que já vimos, o filme
conquista pela sua sensibilidade e doçura.
A trama se passa em 1970 e é protagonizada por Margaret
(Abby Ryder Fortson), uma garota prestes a fazer 12 anos que começa a
contemplar as mudanças trazidas pela adolescência. Ela também lida com uma
mudança literal, já que sua família se muda de Nova Iorque para os subúrbios de
Nova Jersey, começando em uma nova escola e precisando fazer novas amizades.
A narrativa traz tópicos presentes em muitas tramas sobre
juventude, como a primeira menstruação, o primeiro sutiã ou o despertar do
interesse por garotos. São temas passíveis de discussão franca e aberta hoje,
mas não tanto na época em que a história se passa e na qual o livro foi
escrito. É um período onde não há internet, informação não estava disponível
tão fácil e mesmo locais de aprendizado, como a escola, lidavam com esses temas
de maneira relativamente tabu.
O texto, porém, evita que tudo isso soe excessivamente
didático ao enquadrar tudo sob a perspectiva de Margaret e transitar com
bastante sensibilidade entre esses temas, fugindo de simplismos que diluiriam
suas ideias. A trama também é esperta ao não eleger vilãs para a história,
entendendo a imaturidade de suas personagens e como muito das ações dessas garotas
são movidas por senso de insegurança e necessidade de pertencimento. Assim,
mesmo quando Nancy (Elle Graham), uma garota que posava de avançada e já
desenvolvida, é revelada como mentirosa, a narrativa trata isso mais como uma
evidência da fragilidade da menina e seu desejo desesperado de adequação do que
como uma falha moral de seu caráter, entendendo que jovens eventualmente fazem
besteira, agem com imaturidade e se magoam.
Muito da sensibilidade do filme vem também do elenco. A
jovem Abby Ryder Fortson traz uma doçura e ingenuidade encantadora a Margaret e
estabelece uma química afetuosa com o resto da família, o pai, Herb (Benny
Safdie), a mãe, Barbara (Rachel McAdams), e especialmente a avó paterna, Sylvia
(Kathy Bates), que funciona como um porto seguro para a garota. As relações
entre esses personagens estabelecem um lar cheio de calor humano que contribui
para o olhar afetuoso que o filme constrói sobre juventude.
Inclusive a fotografia preza por tons de sépia, com matizes
de laranja e marrons, que parecem evocar uma certa nostalgia pelo passado e
pela infância. Esse componente visual de nostalgia ajuda a justificar o retrato
mais inclusivo que faz da vida suburbana nos EUA da década de 70, aqui mostrado
como um espaço mais inclusivo e menos preconceituoso do que realmente era. Esse
retrato soa menos como uma tentativa de reescrever ou romantizar a história e
mais com o fato de tudo ser filtrado pela subjetividade de Margaret, que
observa tudo com sua ingenuidade infantil e, talvez por isso, não atente para
certas coisas.
Isso não significa, no entanto, que o filme faça um retrato
completamente idílico da sociedade estadunidense na década de 70. Como o cerne
do conflito de Margaret está em sua relação com deus por ter uma mãe cristã e
um pai judeu, a narrativa explora como intolerância ou imposição religiosa pode
afastar as pessoas ao nos informar que Barbara foi expulsa de casa pelos pais
conservadores cristãos ao se relacionar com o judeu Herb. A descoberta desses
fatos por Margaret representa a mudança na visão que temos de nossos pais
conforme crescemos. Se na infância os vemos como super-heróis infalíveis,
conforme chegamos na adolescência vamos percebendo a humanidade e como eles são
pessoas com falhas e problemas como quaisquer outras.
O debate sobre a relação de Margaret com deus e que caminho
ela deveria seguir em sua vida espiritual é inteligentemente deixado em aberto
para a interpretação do espectador, evitando assim respostas fáceis sobre algo
tão complexo e reconhecendo que esse é um elemento íntimo de cada sujeito a ser
resolvido dentro da subjetividade de cada um. Assim, ainda que se estruture
como uma típica história de amadurecimento, Crescendo
Juntas envolve pela doçura de sua protagonista e pela sensibilidade com a
qual transita sobre seus temas de juventude.
Fortunas são construídas e perdidas rapidamente no mercado
financeiro. Investimentos na bolsa muitas vezes soam como um cassino e como
tal, tem seus vícios nos resultados. Dinheiro
Fácil é um filme que serve de lembrete de como os super ricos colocam o
dedo na balança do mercado e viciam os resultados a seu favor, não dando
nenhuma chance para que trabalhadores e assalariados consigam ganhar algo.
A trama se baseia na história real de Keith Gill (Paul
Dano), bancário e analista financeiro que percebeu em 2020 que o mercado estava
subvalorizando as ações da loja de games Gamestop. A franquia de lojas se
mantinha aberta durante a pandemia por vender dispositivos eletrônicos
considerados de primeira necessidade, mas grandes fundos de investimento
compravam ações da empresa a descoberto apostando em sua queda. A tese de Gill
era de que o mercado estava criando uma espécie de “profecia auto realizável”.
Ao apostar bilhões na desvalorização, eles instigariam o resto do mercado a
apostar junto, efetivamente fazendo outras pessoas investirem na queda das
ações, quebrando a empresa, desempregando milhares e fazendo esses bilionários
ainda mais ricos sem terem produzido efetivamente nada.
Dirigido por Ridley Scott, Napoleão funciona mais como um estudo de personagem do que como um
épico histórico. Digo isso porque a trama é mais interessada na relação de seu
personagem título com esposa e o que motiva suas ações do que em grandes
batalhas ou em todo o contexto das Guerras Napoleônicas. Não que essa escolha
seja um problema, apenas aviso para que ajustem suas expectativas.
A trama acompanha Napoleão (Joaquin Phoenix) a partir de sua
ascensão no exército após a revolução francesa. Com suas primeiras vitórias ele
se consolida em uma posição de liderança e se casa com a bela Josefina (Vanessa
Kirby) enquanto suas ambições o impelem a almejar cada vez mais.
O filme é, em essência, um estudo sobre essa ambição
desmedida que coloca a busca por grandeza acima de tudo, sacrificando até mesmo
a relação com a mulher que ama, e o que impele essa busca. A narrativa constrói
Napoleão como um bruto vulgar dotado de certo complexo de inferioridade por vir
de uma família humilde ao contrário dos aristocratas ricos que o cercam. Assim,
o personagem age como se sempre tivesse algo a provar e seu desejo de
conquista, bem como a vaidade com a qual exibe sua inteligência tática, se
mostram fruto dessa tentativa de ser visto como alguém grandioso.
O debate sobre representatividade negra no audiovisual tem
recebido bastante atenção nos últimos anos, mas no meio da arte ele já era
objeto de discussão faz muito tempo. Lançado em 2000 o documentário A Negação do Brasil, de Joel Zito
Araújo, visa discutir as presenças e ausências da representação negra nas
telenovelas brasileiras, mostrando como desde os anos 60 artistas negros já tentavam
dar mais visibilidade a pessoas negras na teledramaturgia e a luta para isso
desde então.
Recorrendo a entrevistas, imagens de arquivo e narrações
feitas pelo próprio diretor o documentário argumenta que a pouca presença de
negros na televisão e o tipo de representação feita dos negros nesses meios produz
uma dupla negação da realidade social brasileira. De um lado a pouquíssima presença
de negros em telenovelas seria uma negação da fatia que os negros ocupam da
população brasileira. Por outro, as representações estereotipadas ou
condescendentes que reproduziam a ideia de uma democracia racial plena negavam
a pervasividade do racismo no nosso cotidiano e como isso afeta a população
negra.
Em seus stand-ups o comediante Bill Burr se tornou famoso por seu “humor de
reclamação” no qual ele vai em longas e irritadas tiradas reclamando de algo do
cotidiano. Ele não é o primeiro a fazer isso, Lewis Black vem fazendo isso há
anos, por exemplo. A questão é que nem tudo que funciona num palco de stand-up comedy funciona em uma
narrativa de ficção e Tiozões,
escrito, dirigido e estrelado por Burr é um exemplo disso.
A trama segue três pais de
meia-idade, Jack (Bill Burr), Connor (Bobby Cannavale) e Mike (Bokeem Woodbine)
que se sentem deslocados em um mundo em que seu chefe é mais novo que eles e
qualquer comentário pode ser problematizado. Podia ser uma oportunidade para
falar de conflitos geracionais e fazer piada com isso, mas vai numa direção de
um coitadismo tosco de tentar dizer que homens brancos de meia idade estão
sendo excluídos e mal tratados pela sociedade, o que está longe de ser o caso.
Em seus dois primeiros longas, O Som ao Redor(2012) e Aquarius (2016), o diretor Kleber
Mendonça Filho falava de preocupações sobre a transformação do cotidiano e da
paisagem urbana de Recife. Questões que, embora as narrativas localizassem
nesse contexto específico, dialogavam com o contexto maior da urbanização e segurança
pública no Brasil. Neste Retratos
Fantasmas, documentário ensaístico sobre a paisagem urbana de Recife,
Mendonça usa a discussão do fim dos cinemas de rua no centro de sua cidade para
retomar essas ponderações sobre a paisagem urbana brasileira.
O filme é dividido em duas
partes, a primeira dedicada ao bairro de Setúbal e ao apartamento em que viveu
durante boa parte da vida. A segunda ao centro de Recife e ao desaparecimento
das salas de cinema de rua. Na primeira parte o diretor pondera sobre o local
em que cresceu e como a relação com o bairro influenciou suas visões sobre a
urbanização de Recife e seu próprio cinema.
O diretor David Fincher é famoso por seu perfeccionismo e
controle de cada detalhe. Quando escrevi sobre Let Them All Talk(2021) de Steven Soderbergh citei uma anedota em que
Soderbergh se sentia cansado só de ver Fincher trabalhar por conta da obsessão
do diretor em controlar cada elemento que aparecia em cada frame do filme.
Menciono tudo isso porque O Assassino,
novo filme de Fincher, mais do que um thriller
de vingança é um filme sobre perfeccionismo e como isso afeta as pessoas que
tentam controlar tudo ao seu redor.
A trama acompanha um assassino (Michael Fassbender)
completamente devotado à sua profissão e que é famoso por entregar o que
promete. Quando uma tentativa de assassinato dá errado, ele foge para evitar ser
pego e inicia uma corrida contra o tempo para evitar que as consequências desse
erro atinjam aqueles que conhece. De certa forma a trama poderia ser enquadrada
como uma narrativa de vingança de um assassino subindo na cadeia de comando
para eliminar aqueles que tentaram destruí-lo depois do erro. Não deixa de ser
isso, no entanto, Fincher pega essa estrutura banal para refletir sobre a
natureza do perfeccionismo e como esse esforço de estar sempre no controle está
fadado ao fracasso.
Depois do picolé de chuchu que foi a minissérie Invasão Secreta não estava disposto a voltar tão cedo a outra série da Marvel e só
acompanhei essa segunda temporada de Loki porque o primeiro ano foi bem
bacana. Ainda que não seja tão bom quanto sua estreia, esse segundo ano ao
menos tem um final que encerra com consistência o arco iniciado por Loki no
primeiro Thor (2011).
A trama retoma ao ponto em que o ano anterior terminou, com
Loki (Tom Hiddleston) retornando à AVT, mas uma versão diferente àquela em que
estava e agora ninguém o reconhece. Loki se dá conta de que está aleatoriamente
viajando através do tempo e O.B (Ke Huy Quan), o responsável por boa parte da
tecnologia da AVT, lhe avisa que isso pode estar relacionado com a energia
emitida pelo Tear Temporal, mecanismo que constrói as linhas do tempo, que saiu
do controle desde que Sylvie (Sophia di Martino) matou Aquele Que Permanece
(Jonathan Majors). Agora Loki precisa restaurar o Tear para salvar a si mesmo e
o multiverso.
Depois de um excelente primeiro
game em Marvel’s Spider-Man e um spin-off competente, ainda que carente
de inovações em Spider-Man: Miles Morales,
a Insomniac entrega uma continuação propriamente dita neste Marvel’s Spider-Man 2, que não apenas
alcança as altas expectativas deixadas pelos games anteriores como também é o
primeiro jogo que efetivamente me fez sentir a diferença da atual geração de
consoles.
A trama começa com o retorno de
Harry Osborn, aparentemente curado da doença degenerativa que o afligia. Peter
e Miles agora trabalham em conjunto e tentam equilibrar suas vidas como
Homem-Aranha e seus desafios pessoais. A chegada de Harry traz uma nova
oportunidade para Peter reconstruir sua carreira profissional, mas uma nova
ameaça surge quando o temível Kraven aparece em Nova Iorque disposto a caçar os
vários heróis e vilões que habitam a cidade. Ao mesmo tempo, o estranho traje
que mantem Harry saudável começa a dar sinais que talvez seja algo mais,
principalmente no modo como se fixa em Peter.
Não esperava muita coisa quando Gen V foi anunciado. A ideia de um
derivado de The Boysque se situava
em uma academia de treinamento para jovens heróis da Vought parecia mais algo
pensado para atender as demandas contemporâneas por “universos compartilhados”
do que uma necessidade narrativa ou dramatúrgica da história sendo contada.
Felizmente eu estava equivocado e Gen V
não só traz outras perspectivas sobre o universo de The Boys como também acaba sendo bem coeso em dialogar com a série
original.
A trama é centrada em Marie (Jaz
Sinclair), uma jovem que cresceu em um orfanato da Vought depois de
acidentalmente matar os pais quando descobriu seus poderes de controlar sangue
com a mente. Misteriosamente ela recebe uma bolsa para estudar na universidade
Godolkin, instituição que forma as próximas gerações de heróis da Vought. Lá
ela começa a fazer amizade com a colega de quarto, Emma (Lizze Broadway), ao
mesmo tempo em que desperta tensões com os alunos mais populares. As coisas se
agravam quando Golden Boy (Patrick Schwarzenegger), o aluno mais popular, mata
um dos professores e depois se mata. Isso coloca Marie e outros colegas para
investigar o que aconteceu e os coloca no centro de uma conspiração da Vought.
A crise de opioides tem sido um
tema recorrente de produções hollywoodianas. Já foi abordada na minissérie Dopesick no terror de A Queda da Casa de Ushere neste Máfia da Dor, produção da Netflix, cuja
tentativa de misturar sátira e denúncia nunca resulta em nada de interessante.
A trama se baseia no livro de mesmo nome escrito por Evan Hughes sobre uma startup farmacêutica do centro da
Flórida que tomou o mercado de assalto com uma variação do poderoso opioide
fentanil.
O filme toma algumas liberdades
com a história real, mas mantem a base de mostrar a ascensão e queda de uma
empresa da Flórida que rapidamente ganhou milhões ao produzir um medicamento a
base de fentanil que funcionava através de um inalador sublingual fazendo o
medicamento agir mais rápido. A trama é protagonizada por Liza (Emily Blunt),
uma mãe divorciada e desempregada que conhece o representante farmacêutico Pete
(Chris Evans), que a contrata como vendedora para tentar penetrar o mercado da
Flórida. Liza consegue convencer médicos a receitarem o medicamento a pacientes
com câncer terminal e logo eles desenvolvem um esquema para recompensar os
médicos que receitam suas drogas, estimulando que receitem também em casos que
não se enquadram na bula.
Embora muita gente pense ser um
filme dirigido pelo Tim Burton, a animação stopmotionO Estranho Mundo de Jack foi produzida pelo diretor e
escrita a partir de um argumento desenvolvido por ele. A confusão, no entanto,
é compreensível, já que o nome dele era sempre usado na divulgação quando o
longa foi lançado em 1993 e também porque ele tem vários elementos que
encontrávamos nos filmes do diretor ali no final da década de 80 e início dos
anos 90.
A trama se passa na Cidade do
Halloween, um lugar habitado por criaturas que vivem para assustar e trazer o
Halloween para o nosso mundo. Se destacando entre os habitantes está o
esqueleto Jack, considerado o Rei Abóbora e principal referência da cidade em
sustos. Apesar de ser admirado por todos na cidade, passar ano após ano
pensando apenas no Halloween faz Jack se sentir vazio. Vagando pela floresta
nos arredores da cidade, Jack encontra portais para as cidades de outras datas
comemorativas e entra na Cidade do Natal. Lá ele se encanta pelas luzes e cores
natalinas e decide que o próximo Natal será feito por sua cidade. A questão é
que os aterrorizantes habitantes da Cidade do Halloween não entendem exatamente
o espírito natalino e veem tudo como mais uma oportunidade de assustar.
Os trailers de Mussum: O Filmis, biografia do músico e
humorista que se tornou famoso por seu trabalho com a trupe Os Trapalhões, não me deixaram muito
empolgado. O material de divulgação focava quase que exclusivamente na fase
humorista de Antônio Carlos Bernardes Gomes, nome real de Mussum, e me dava a
entender que o filme se restringiria a esse período da carreira dele, deixando
de lado aspectos menos conhecidos, mas não mais interessantes. Felizmente o
material de divulgação não era um reflexo do filme inteiro, que faz um relato
bem abrangente da vida de seu biografado.
A trama acompanha a trajetória de
Mussum (Yuri Marçal na juventude, Ailton Graça na idade adulta) da infância até
o auge do seu sucesso com Os Trapalhões,
mostrando sua formação militar, sua trajetória na música com o grupo Originais do Samba e sua relação com a
mãe, Malvina (Cacau Protásio/Neusa Borges). Como muitas biografias recentes é
relativamente episódica, saltando rapidamente entre várias temporalidades e
raramente dando tempo para que conflitos persistam, resolvendo problemas assim
que eles se apresentam e se movendo rapidamente para o próximo evento significativo
da trama.
Devo muito da minha cinefilia às
videolocadoras. Seja na época do VHS ou do DVD, alugar e assistir filmes era
parte central da minha vivência no audiovisual e talvez tenha sido um dos
fatores que me levou a trabalhar com isso eventualmente. O documentário Cinemagia: A História das Videolocadoras de
São Paulo visa reconstruir as memórias desse tempo e também ponderar sobre
aquilo que deixamos pelo caminho quando abraçamos os streamings e deixamos de lado a estrutura de locadoras.
O longa conta a história das
videolocadoras a partir dos casos da cidade de São Paulo, mostrando como o
negócio começou de maneira informal, com pessoas trazendo filmes de fora e
copiando uns dos outros para montarem suas locadoras até a eventual derrocada
para os streamings nos últimos anos.
Em meio a isso tudo o ramo viveu a profissionalização e combate à pirataria, a
revolução do DVD, a concorrência de franquias estrangeiras como a Blockbuster
Video e uma série de outras coisas.
Não vi as séries anteriores que o
diretor Mike Flanagan fez para a Netflix, como Missa da Meia Noite e A
Maldição da Residência Hill, mas o que me atraiu para este A Queda da Casa de Usher ser inspirada
na obra de Edgar Allan Poe. Apesar do título evocar um conto específico do
escritor e poeta, a minissérie pega elementos de várias histórias e poemas
escritos por ele, com cada episódio evocando uma obra específica além de
personagens inspirados em diferentes outras obras.
A narrativa se passa nos dias
atuais, sendo centrada no magnata da indústria farmacêutica Roderick Usher
(Bruce Greenwood). Sua empresa está no auge do poder e riqueza depois de lançar
um analgésico altamente viciante que agrava a epidemia de opioides nos EUA. Aos
poucos eventos estranhos começam a acontecer ao redor dele e de sua família,
com seus filhos sendo mortos um a um. É então que a irmã de Roderick, Madeline
(Mary McDonnell), se recorda de um acordo que fizeram com uma misteriosa mulher
(Carla Gugino) anos atrás em troca de poder e riqueza.
O assassinato de Ângela Diniz
pelo companheiro Raul “Doca” Street foi um ponto de virada na discussão sobre
feminicídio no Brasil. Inicialmente o assassino saiu praticamente incólume ao
usar o argumento machista de “defesa da honra”, o Ministério Público recorreu e
conseguiu uma sentença mais coerente com a severidade do crime. Toda essa
discussão está ausente de Ângela, produção
que foca na relação entre a socialite e Street, discorrendo sobre o impacto do
crime apenas em cartelas de texto ao final.
A trama segue Ângela (Isis
Valverde) do momento em que ela primeiro conhece Raul (Gabriel Braga Nunes) em
uma festa até seu assassinato nas mãos do companheiro. É uma escolha estranha
de parar a história no momento do crime, já que é nos desdobramentos
posteriores e em toda a discussão sobre feminicídio o motivo do caso ter sido
tão emblemático e permanecer até hoje em nossa memória coletiva originando
produções como esta ou o excelente podcast Praia
dos Ossos.
Dirigido por Robert Rodriguez Hypnotic: Ameaça Invisível soa como uma
mistura de A Origem (2010) com Em Transe(2013) e O Vidente (2007), mas não consegue fazer nada de interessante com
essa junção de elementos. A trama gira em torno do detetive Rourke (Ben
Affleck), um policial traumatizado pelo sequestro da filha que busca
incansavelmente seu paradeiro. As coisas se complicam quando Rourke encontra o
misterioso Dellrayne (William Fichtner), um sujeito que parece ter o poder de
controlar a mente das pessoas ao seu redor. Com a ajuda da misteriosa Diana
(Alice Braga), o policial descobre que Dellrayne é um “hipnótico”, alguém com o
poder de influenciar as mentes dos outros e alterar as percepções de realidade
de seus alvos.
A ideia de poder mexer com a
mente das pessoas poderia ser um veículo para pensar o funcionamento da psique
humana e como projetamos nossa subjetividade no mundo a nossa volta. Poderia
ser usado também como uma metáfora para os tempos de desinformação em que
vivemos, onde pessoas vivem presas em bolhas de fake news e não conseguem mais
se conectar com a realidade. Ao invés disso, os poderes dos personagens são usados
apenas para gerar cenas de ação e reviravoltas.
Sabemos que a prosperidade econômica dos
Estados Unidos em parte se deveu ao genocídio indígena e o fato do país ter
tomado as terras de vários povos originários na expansão rumo ao oeste. Mesmo
com essa informação, a verdade é que ainda sabemos muito pouco sobre os
massacres cometidos contra minorias no país que visavam não apenas tomar as
riquezas desses povos como também impedir a formação de uma elite não branca. Assassinos da Lua das Flores, novo filme
de Martin Scorsese, traz um mergulho profundo em um capítulo da história dos
EUA que mostra como a riqueza dos brancos foi construída sobre o sangue e
cadáveres de indígenas.
A trama é baseada na história
real contada no livro homônimo escrito por David Grann e se passa no início do
século XX no estado do Missouri, nas terras do povo Osaje, nação indígena
deslocada para o centro do país durante a expansão para o oeste em terras que
aparentemente não valiam nada. Quando petróleo é encontrado nas terras Osaje, o
povo começa a prosperar, mas logo chegam uma série de empresários e
trabalhadores brancos de olho na riqueza que os indígenas adquiriram. Um desses
trabalhadores é Ernest (Leonardo DiCaprio), veterano da Primeira Guerra que
chega para trabalhar com o tio, Bill Hale (Robert DeNiro), um empresário que
posa de benfeitor, mas almeja obter controle sobre as concessões de petróleo
indígenas.
Continuações normalmente permitem
ampliar o original e aprender com os erros de realizar a primeira experiência,
muitas vezes entregando um produto mais maduro e melhor resolvido. Nada disso
acontece em Megatubarão 2, que não só
não aprendeu nada com os erros do original como ainda abre espaço para novos
equívocos.
A trama é mais uma vez
protagonizada por Jonas Taylor (Jason Statham) que agora trabalha para a
fundação que pesquisa e preserva o ecossistema abissal do primeiro filme.
Logicamente existem pessoas em busca de ganho financeiro com os recursos do
abismo e visão tomar o controle da fundação. Quando um ato de sabotagem na
instalação submarina causa explosões que criam aberturas grandes na fenda para
que os seres ancestrais passem por elas, o mundo inteiro fica em risco.
Hollywood se interessou em contar
várias histórias de produtos em 2023. Tivemos Air, Tetris, Flaming Hot e The Beanie Bubble, todos de alguma
maneira usando histórias de produtos ou pessoas de sucesso para confirmar todos
os mitos sobre o capitalismo e empreendedorismo. Pensei que BlackBerry poderia ser mais uma dessas
produções, mas a produção acertadamente vai na contramão de outras histórias de
produtos para refletir que não existe garantia de sucesso, que você pode “trabalhar
enquanto eles dormem”, ser o melhor no faz, dar tudo de si e ainda assim
fracassar.
Alguns poderiam dizer que é um
retrato pessimista, mas eu diria que é uma visão realista de como as coisas
funcionam no mundo capitalista no qual nem tudo é mérito individual e que nos
lembra como são ingênuas noções de que tudo vai dar certo se você simplesmente
se dedicar e fazer por merecer. A trama conta a história real de ascensão e
queda do BlackBerry, o primeiro smartphone, que dominou o mercado por alguns
anos até ser completamente obliterado pela Apple e seu iPhone. Acompanhamos o
engenheiro Mike Lazaridis (Jay Baruchel) e o executivo Jim Balsillie (Glenn
Howerton) conforme eles tomam o mercado de telefonia móvel com um produto que ninguém
pensava ser possível de fazer.
Perdi as contas de quantas vezes
assisti Jamaica Abaixo de Zero na
Sessão da Tarde na TV quando criança. Eu gostava tanto do filme que cheguei a
gravar o filme VHS pra rever quando quisesse. Como em 2023 ele comemora 30 anos
de seu lançamento em 1993, resolvi falar um pouco sobre ele.
A trama se baseia na história real
da formação de uma equipe jamaicana de corrida trenó para as Olimpíadas de
Inverno de 1988. Um esporte de inverno em uma ilha tropical é uma ideia tão
insólita que é fácil entender porque a Disney quis transformar isso em filme.
No filme a narrativa é centrada em Derice (Leon) um velocista que sonha em
representar o país nas Olimpíadas. Quando um acidente na classificatória tira
de Derice as chances de competir, ele busca outras alternativas ao sonho
olímpico. É aí que ele conhece Irv (John Candy), estadunidense radicado em
Kingston que anos atrás tentou convencer o pai de Derice a formar uma equipe de
trenó com velocistas jamaicanos. Apesar de afastado do esporta há décadas, Irv
relutantemente aceita treinar Derice e a equipe formada por ele.
